Какие тайны хранят картины в нашем клубе?
Йоханис Вермеер, 1632 - 1675
Молочница, 1660
Государственный музей Рейксмузеум, Амстердам
Перед вами «фотография» быта и традиций Нидерландов. Молодая женщина держит тяжелый кувшин, чтобы налить молоко в глиняный горшок и поставить его в печь для запекания. Привлекает контраст её потемневших от работы кистей рук с белой кожей выше запястий. По фартуку и белому чепцу можно предположить, что это служанка. Она одета в блузу из грубого сукна, украшенную декоративной строчкой. Женщина бережно и ответственно подходит к своему делу. Об этом свидетельствуют приоткрытый рот и наклон головы
Полотно показывает типичную жизнь голландцев того времени. Обычно они ели молоко, сыр и хлеб. А молочницы готовили творог, сметану, масло. От картины веет домашним уютом, теплом и спокойствием.
Молочница, 1660
Государственный музей Рейксмузеум, Амстердам
Перед вами «фотография» быта и традиций Нидерландов. Молодая женщина держит тяжелый кувшин, чтобы налить молоко в глиняный горшок и поставить его в печь для запекания. Привлекает контраст её потемневших от работы кистей рук с белой кожей выше запястий. По фартуку и белому чепцу можно предположить, что это служанка. Она одета в блузу из грубого сукна, украшенную декоративной строчкой. Женщина бережно и ответственно подходит к своему делу. Об этом свидетельствуют приоткрытый рот и наклон головы
Полотно показывает типичную жизнь голландцев того времени. Обычно они ели молоко, сыр и хлеб. А молочницы готовили творог, сметану, масло. От картины веет домашним уютом, теплом и спокойствием.
Герхард Рихтер, 1932
Современное абстрактное искусство, 2001
Художественный музей Альбертина, Вена
Как следует из названия, на картине нет чётких репрезентативных элементов. Соскабливание и растекание краски в абстрактной живописи создаёт эффект, напоминающий фотографическое размытие. Размытость этой картины может вызвать разные интерпретации, например в виде отражений, создаваемые зелёным лесом на голубой воде.
В произведениях Рихтера всё искажено, что сам художник объясняет следующим образом: «Я размываю изображения, чтобы сделать их равноценно важными и неважными. Я размываю их, чтобы они выглядели созданными не художественным или ремесленным образом, а технологично, плавно и безупречно».
Современное абстрактное искусство, 2001
Художественный музей Альбертина, Вена
Как следует из названия, на картине нет чётких репрезентативных элементов. Соскабливание и растекание краски в абстрактной живописи создаёт эффект, напоминающий фотографическое размытие. Размытость этой картины может вызвать разные интерпретации, например в виде отражений, создаваемые зелёным лесом на голубой воде.
В произведениях Рихтера всё искажено, что сам художник объясняет следующим образом: «Я размываю изображения, чтобы сделать их равноценно важными и неважными. Я размываю их, чтобы они выглядели созданными не художественным или ремесленным образом, а технологично, плавно и безупречно».
Стефано Болкато, 1967
Мона Лиза (Лего), 2015
Выставляется в различных галереях и музеях
Всем мы видели мини фигурки Лего, этих жёлтых человечков, которые продаются в магазинах. Но что было бы, если бы они волшебным образом появились на самых известных картинах в мире? Итальянский художник Стефано Болькато воплощает эту фантазию и «населяет» ими полотна знаменитых живописцев. Художник не обошёл стороной и портрет госпожи Лизы дель Джокондо.
Отказавшись от меланхоличных пейзажей и заброшенных промышленных складов, сегодня он воплощает на своих полотнах объём и яркие краски, намекая на индустриальный и глянцевый мир и заставляя нас приобщиться к нему.
Идея картины — путешествие между мирами, пересечение классического и современного искусства, в котором каждый найдёт для себя что-то новое.
Мона Лиза (Лего), 2015
Выставляется в различных галереях и музеях
Всем мы видели мини фигурки Лего, этих жёлтых человечков, которые продаются в магазинах. Но что было бы, если бы они волшебным образом появились на самых известных картинах в мире? Итальянский художник Стефано Болькато воплощает эту фантазию и «населяет» ими полотна знаменитых живописцев. Художник не обошёл стороной и портрет госпожи Лизы дель Джокондо.
Отказавшись от меланхоличных пейзажей и заброшенных промышленных складов, сегодня он воплощает на своих полотнах объём и яркие краски, намекая на индустриальный и глянцевый мир и заставляя нас приобщиться к нему.
Идея картины — путешествие между мирами, пересечение классического и современного искусства, в котором каждый найдёт для себя что-то новое.
Stefano Bolcato, 1967
Mona Lisa (Lego), 2015
Exhibited in various galleries and museums
We have all seen mini Lego figures, these yellow men that are sold in stores. But what would happen if they magically appeared in the most famous paintings in the world? The Italian artist Stefano Bolcato embodies this fantasy and "inhabits" the canvases of famous painters with them. The artist did not ignore the portrait of Mrs. Lisa del Giocondo.
Having abandoned melancholic landscapes and abandoned industrial warehouses, today he embodies volume and bright colors on his canvases, hinting at the industrial and glossy world and forcing us to join it.
The idea of the painting is a journey between worlds, the intersection of classical and modern art, in which everyone will find something new for themselves.
Mona Lisa (Lego), 2015
Exhibited in various galleries and museums
We have all seen mini Lego figures, these yellow men that are sold in stores. But what would happen if they magically appeared in the most famous paintings in the world? The Italian artist Stefano Bolcato embodies this fantasy and "inhabits" the canvases of famous painters with them. The artist did not ignore the portrait of Mrs. Lisa del Giocondo.
Having abandoned melancholic landscapes and abandoned industrial warehouses, today he embodies volume and bright colors on his canvases, hinting at the industrial and glossy world and forcing us to join it.
The idea of the painting is a journey between worlds, the intersection of classical and modern art, in which everyone will find something new for themselves.
Эдгар Дега, 1834 - 1917
Голубые танцовщицы, около 1898
ГМИИ им. А. С. Пушкина
Дега был очень увлечён балетом. Парижская опера стала для художника вторым домом. Его интересовала не только сцена, но и закулисье, где танцовщицы готовились к выступлениям. Там он видел настоящую жизнь – напряжение, моменты радости и разочарования.
Картина «Голубые танцовщицы» — это история о том, как за каждым мгновением красоты скрывается огромный труд, где, преодолевая усталость, они дарят людям радость. Что красота – это не только внешний блеск, но и внутренний свет, который исходит от тех, кто её создаёт.
Ракурс полотна необычен: зритель смотрит на балерин сверху, как бы охватывая взглядом фрагмент реальности, тем самым ощущается, что художник «выхватил» небольшой момент из их жизни. При первом взгляде на картину можно подумать, что балерины кружатся в танце. Но на самом деле девушки готовятся к выступлению.
Голубые танцовщицы, около 1898
ГМИИ им. А. С. Пушкина
Дега был очень увлечён балетом. Парижская опера стала для художника вторым домом. Его интересовала не только сцена, но и закулисье, где танцовщицы готовились к выступлениям. Там он видел настоящую жизнь – напряжение, моменты радости и разочарования.
Картина «Голубые танцовщицы» — это история о том, как за каждым мгновением красоты скрывается огромный труд, где, преодолевая усталость, они дарят людям радость. Что красота – это не только внешний блеск, но и внутренний свет, который исходит от тех, кто её создаёт.
Ракурс полотна необычен: зритель смотрит на балерин сверху, как бы охватывая взглядом фрагмент реальности, тем самым ощущается, что художник «выхватил» небольшой момент из их жизни. При первом взгляде на картину можно подумать, что балерины кружатся в танце. Но на самом деле девушки готовятся к выступлению.
Edgar Degas, 1834 - 1917
Blue dancers, circa 1898
Pushkin State Museum of Fine Arts
Degas was very passionate about ballet. The Paris Opera has become a second home for the artist. He was interested not only in the stage, but also in the backstage, where the dancers were preparing for performances. There he saw real life – tension, moments of joy and disappointment.
The painting "Blue Dancers" is a story about how behind every moment of beauty lies a huge amount of work, where, overcoming fatigue, they give people joy. That beauty is not only an external luster, but also an inner light that comes from those who create it.
The angle of the canvas is unusual: the viewer looks at the ballerinas from above, as if embracing a fragment of reality, thereby feeling that the artist has "snatched" a small moment from their lives. When you first look at the painting, you might think that the ballerinas are spinning in a dance. But in fact, the girls are preparing for the performance.
Blue dancers, circa 1898
Pushkin State Museum of Fine Arts
Degas was very passionate about ballet. The Paris Opera has become a second home for the artist. He was interested not only in the stage, but also in the backstage, where the dancers were preparing for performances. There he saw real life – tension, moments of joy and disappointment.
The painting "Blue Dancers" is a story about how behind every moment of beauty lies a huge amount of work, where, overcoming fatigue, they give people joy. That beauty is not only an external luster, but also an inner light that comes from those who create it.
The angle of the canvas is unusual: the viewer looks at the ballerinas from above, as if embracing a fragment of reality, thereby feeling that the artist has "snatched" a small moment from their lives. When you first look at the painting, you might think that the ballerinas are spinning in a dance. But in fact, the girls are preparing for the performance.
Густав Климт, 1862 - 1918
Поцелуй, 1908
Галерея Бельведер, Вена
Картина «Поцелуй» (первоначальное название «Влюблённые»), написана в «золотой» период творчества художника. Название периода связано с колористическими особенностями стиля. Мастер широко использует в своих работах золотой цвет, как собственно краску, так и настоящее сусальное листовое золото.
На картине изображены слившиеся в объятии мужчина и женщина на краю усыпанного цветами луга над обрывом. Сияющие золотом одежды пары облекают её, словно кокон, и различить их тела можно только по узорам их одежд. Для них мир остановился, съёжившись до размера этого цветочного уступа.
Автор трактует поцелуй как некий символ, демонстрирующий единение мужчины и женщины, мужского и женского начала. Влюблённые представляют собой соединение противоположных энергий. Мужчина демонстрирует черно-белый бинарный контраст и демонстрирует свою соблазнительную волю, заключая женщину в объятия. Женщина уравновешивает эту энергию своей любовью, теплом и цветом, которые исходят от Матери-природы.
Поцелуй, 1908
Галерея Бельведер, Вена
Картина «Поцелуй» (первоначальное название «Влюблённые»), написана в «золотой» период творчества художника. Название периода связано с колористическими особенностями стиля. Мастер широко использует в своих работах золотой цвет, как собственно краску, так и настоящее сусальное листовое золото.
На картине изображены слившиеся в объятии мужчина и женщина на краю усыпанного цветами луга над обрывом. Сияющие золотом одежды пары облекают её, словно кокон, и различить их тела можно только по узорам их одежд. Для них мир остановился, съёжившись до размера этого цветочного уступа.
Автор трактует поцелуй как некий символ, демонстрирующий единение мужчины и женщины, мужского и женского начала. Влюблённые представляют собой соединение противоположных энергий. Мужчина демонстрирует черно-белый бинарный контраст и демонстрирует свою соблазнительную волю, заключая женщину в объятия. Женщина уравновешивает эту энергию своей любовью, теплом и цветом, которые исходят от Матери-природы.
Gustav Klimt, 1862 - 1918
The Kiss, 1908
Belvedere Gallery, Vienna
The painting "Kiss" (the original name "Lovers") was painted in the "golden" period of the artist's work. The names of the period are associated with the coloristic features of the style. The master widely uses the golden color in his works, both the actual paint and real gold leaf.
The painting depicts a man and a woman fused in an embrace on the edge of a meadow strewn with flowers above a cliff. The couple's shining gold robes wrap around her like a cocoon, and their bodies can only be distinguished by the patterns of their clothes. For them, the world has stopped, shrunk to the size of this flower ledge.
The author interprets the kiss as a kind of symbol demonstrating the unity of man and woman, masculine and feminine. Lovers are a combination of opposite energies. A man demonstrates a black-and-white binary contrast and demonstrates his seductive will by embracing a woman in his arms. A woman balances this energy with her love, warmth and color, which come from Mother Nature.
The Kiss, 1908
Belvedere Gallery, Vienna
The painting "Kiss" (the original name "Lovers") was painted in the "golden" period of the artist's work. The names of the period are associated with the coloristic features of the style. The master widely uses the golden color in his works, both the actual paint and real gold leaf.
The painting depicts a man and a woman fused in an embrace on the edge of a meadow strewn with flowers above a cliff. The couple's shining gold robes wrap around her like a cocoon, and their bodies can only be distinguished by the patterns of their clothes. For them, the world has stopped, shrunk to the size of this flower ledge.
The author interprets the kiss as a kind of symbol demonstrating the unity of man and woman, masculine and feminine. Lovers are a combination of opposite energies. A man demonstrates a black-and-white binary contrast and demonstrates his seductive will by embracing a woman in his arms. A woman balances this energy with her love, warmth and color, which come from Mother Nature.
Йозеф Ланге, 1751 - 1831
Моцарт за клавесином, 1789
Моцартеум — консерватория в Зальцбурге
Незаконченный портрет Моцарта кисти художника-любителя Йозефа Ланге — это одно из самых известных и тиражируемых изображений композитора.
Композитор изображён на полотне в профиль на гладком тёмном фоне. Голова наклонена чуть вниз, как будто бы он сидит перед клавесином. Отчётливо выписана густота волос, обычно скрытых под париком. Здесь Моцарту около 30 лет.
Первоначально картина представляла собой миниатюру размером примерно 19*15 см, на которой было изображено только лицо Моцарта. Позже она была прикреплена к холсту большего размера, очевидно, с намерением изобразить Моцарта сидящим за клавесином.
Почему Иозеф Ланге не дописал картину (при том, что завершение носило уже почти технический характер), остается тайной. Возможно, потому что он был еще актёром, другими словами, увлекающимся человеком. Однако главное художник сделал – запечатлел лицо. И именно лицо с его холста мы представляем, когда слышим музыку, которая всё также волнует сердца слушателей и будоражит самые различные умы и фантазии.
Моцарт за клавесином, 1789
Моцартеум — консерватория в Зальцбурге
Незаконченный портрет Моцарта кисти художника-любителя Йозефа Ланге — это одно из самых известных и тиражируемых изображений композитора.
Композитор изображён на полотне в профиль на гладком тёмном фоне. Голова наклонена чуть вниз, как будто бы он сидит перед клавесином. Отчётливо выписана густота волос, обычно скрытых под париком. Здесь Моцарту около 30 лет.
Первоначально картина представляла собой миниатюру размером примерно 19*15 см, на которой было изображено только лицо Моцарта. Позже она была прикреплена к холсту большего размера, очевидно, с намерением изобразить Моцарта сидящим за клавесином.
Почему Иозеф Ланге не дописал картину (при том, что завершение носило уже почти технический характер), остается тайной. Возможно, потому что он был еще актёром, другими словами, увлекающимся человеком. Однако главное художник сделал – запечатлел лицо. И именно лицо с его холста мы представляем, когда слышим музыку, которая всё также волнует сердца слушателей и будоражит самые различные умы и фантазии.
Josef Lange, 1751 - 1831
Mozart at the harpsichord, 1789
Mozarteum — Conservatory in Salzburg
The unfinished portrait of Mozart by the amateur artist Joseph Lange is one of the most famous and replicated images of the composer.
The composer is depicted on the canvas in profile on a smooth dark background. His head is tilted slightly down, as if he is sitting in front of a harpsichord. The density of the hair, usually hidden under the wig, is clearly written out. Mozart is about 30 years old here.
Initially, the painting was a miniature of about 19*15 cm in size, which depicted only Mozart's face. Later, it was attached to a larger canvas, apparently with the intention of depicting Mozart sitting at the harpsichord.
Why Joseph Lange did not finish the painting (despite the fact that the completion was already almost technical in nature) remains a mystery. Perhaps because he was still an actor, in other words, an enthusiastic person. However, the main thing the artist did was to capture the face. And it is the face from his canvas that we imagine when we hear music that still excites the hearts of listeners and excites a variety of minds and fantasies.
Mozart at the harpsichord, 1789
Mozarteum — Conservatory in Salzburg
The unfinished portrait of Mozart by the amateur artist Joseph Lange is one of the most famous and replicated images of the composer.
The composer is depicted on the canvas in profile on a smooth dark background. His head is tilted slightly down, as if he is sitting in front of a harpsichord. The density of the hair, usually hidden under the wig, is clearly written out. Mozart is about 30 years old here.
Initially, the painting was a miniature of about 19*15 cm in size, which depicted only Mozart's face. Later, it was attached to a larger canvas, apparently with the intention of depicting Mozart sitting at the harpsichord.
Why Joseph Lange did not finish the painting (despite the fact that the completion was already almost technical in nature) remains a mystery. Perhaps because he was still an actor, in other words, an enthusiastic person. However, the main thing the artist did was to capture the face. And it is the face from his canvas that we imagine when we hear music that still excites the hearts of listeners and excites a variety of minds and fantasies.
Винсент Ван Гог, 1853 - 1890
Пшеничное поле с воронами, 1890
Музей Ван Гога, Амстердам
Картина легендарна тем, что её считают последним произведением автора. Формат холста в виде диссонанса пропорций, создаёт ощущение нависшего грозового неба.
Тремя дорогами художник передал свои внутренние страхи. Три направления сельских дорог символизируют трудность выбора. Дорога, которая идёт прямо, изъезжена. Она тянется непрямой линией и вскоре исчезает из поля зрения. Влево ведет бугристая, заросшая травой, но протоптанная тропинка. Вправо же — полевая дорожка среди пшеницы. С помощью золотых, зрелых колосьев, направленных в разные стороны, художник изобразил ветреную погоду, которая предвещает бурю.
Ван Гог применил аллегорию беспомощности перед реальными опасностями. Поле, стелющееся до самого горизонта, соединяется с пугающим, покрытым несущимися чёрными тучами, небом. Пара белых облаков исчезают под натиском такой силы. А издалека, отовсюду слетается бесчисленное множество воронов. Крылатые хищники стаей кружат над золотой нивой. И ничто не может защитить спелые зерна пшеницы от нападения свирепых птиц.
Пшеничное поле с воронами, 1890
Музей Ван Гога, Амстердам
Картина легендарна тем, что её считают последним произведением автора. Формат холста в виде диссонанса пропорций, создаёт ощущение нависшего грозового неба.
Тремя дорогами художник передал свои внутренние страхи. Три направления сельских дорог символизируют трудность выбора. Дорога, которая идёт прямо, изъезжена. Она тянется непрямой линией и вскоре исчезает из поля зрения. Влево ведет бугристая, заросшая травой, но протоптанная тропинка. Вправо же — полевая дорожка среди пшеницы. С помощью золотых, зрелых колосьев, направленных в разные стороны, художник изобразил ветреную погоду, которая предвещает бурю.
Ван Гог применил аллегорию беспомощности перед реальными опасностями. Поле, стелющееся до самого горизонта, соединяется с пугающим, покрытым несущимися чёрными тучами, небом. Пара белых облаков исчезают под натиском такой силы. А издалека, отовсюду слетается бесчисленное множество воронов. Крылатые хищники стаей кружат над золотой нивой. И ничто не может защитить спелые зерна пшеницы от нападения свирепых птиц.
Vincent Van Gogh, 1853 - 1890
Wheat field with crows, 1890
Van Gogh Museum, Amsterdam
The painting is legendary because it is considered the last work of the author. The canvas format in the form of a dissonance of proportions creates a feeling of an overhanging stormy sky.
In three ways, the artist conveyed his inner fears. The three directions of rural roads symbolize the difficulty of choosing. The road that goes straight is paved. It stretches in an indirect line and soon disappears from view. A bumpy, grassy, but well-trodden path leads to the left. To the right is a field path among wheat. With the help of golden, ripe ears pointing in different directions, the artist depicted windy weather that foreshadows a storm.
Van Gogh applied the allegory of helplessness in the face of real dangers. The field, stretching all the way to the horizon, connects with the frightening sky, covered with rushing black clouds. A couple of white clouds disappear under the onslaught of such force. And from afar, countless ravens flock from everywhere. Winged predators circle the golden field in a flock. And nothing can protect ripe wheat grains from the attacks of ferocious birds.
Wheat field with crows, 1890
Van Gogh Museum, Amsterdam
The painting is legendary because it is considered the last work of the author. The canvas format in the form of a dissonance of proportions creates a feeling of an overhanging stormy sky.
In three ways, the artist conveyed his inner fears. The three directions of rural roads symbolize the difficulty of choosing. The road that goes straight is paved. It stretches in an indirect line and soon disappears from view. A bumpy, grassy, but well-trodden path leads to the left. To the right is a field path among wheat. With the help of golden, ripe ears pointing in different directions, the artist depicted windy weather that foreshadows a storm.
Van Gogh applied the allegory of helplessness in the face of real dangers. The field, stretching all the way to the horizon, connects with the frightening sky, covered with rushing black clouds. A couple of white clouds disappear under the onslaught of such force. And from afar, countless ravens flock from everywhere. Winged predators circle the golden field in a flock. And nothing can protect ripe wheat grains from the attacks of ferocious birds.
Микеланджело Меризи да Караваджо, 1571 - 1610
Юноша с лютней, 1595
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Молодой человек с мягкими девичьими чертами, одетый в свободную рубаху, широко раскрытую на груди, перебирает струны своей лютни. Наблюдая за его губами, можно подумать, что он напевает. Перед ним, на мраморном столе лежат раскрытая нотная тетрадь и скрипка со смычком.
Свою картину Караваджо выстраивает как жанровую сцену и, одновременно, как натюрморт. Помимо музыкальных инструментов тут есть ещё фрукты, овощи, цветы в вазе. Груша хвостиком задевает нотную страницу, исполненную так четко, что можно, при желании расшифровать мелодию. Мелодия эта – мадригал Якоба Аркадельта, который называется «Вы знаете, что я вас люблю».
Потрёпанная нотная тетрадь, трещина в лютне, лопнувшая кожица фруктов могут напоминатьо недолговечности всего земного. Представлены и пять чувств: слух (музыка), вкус (фрукты), обоняние (цветы), зрение (отражение в стекле сосуда), осязание (прикосновение к струнам).
Юноша с лютней, 1595
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Молодой человек с мягкими девичьими чертами, одетый в свободную рубаху, широко раскрытую на груди, перебирает струны своей лютни. Наблюдая за его губами, можно подумать, что он напевает. Перед ним, на мраморном столе лежат раскрытая нотная тетрадь и скрипка со смычком.
Свою картину Караваджо выстраивает как жанровую сцену и, одновременно, как натюрморт. Помимо музыкальных инструментов тут есть ещё фрукты, овощи, цветы в вазе. Груша хвостиком задевает нотную страницу, исполненную так четко, что можно, при желании расшифровать мелодию. Мелодия эта – мадригал Якоба Аркадельта, который называется «Вы знаете, что я вас люблю».
Потрёпанная нотная тетрадь, трещина в лютне, лопнувшая кожица фруктов могут напоминатьо недолговечности всего земного. Представлены и пять чувств: слух (музыка), вкус (фрукты), обоняние (цветы), зрение (отражение в стекле сосуда), осязание (прикосновение к струнам).
Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1571 - 1610
A young man with a lute, 1595
The State Hermitage Museum, St. Petersburg
A young man with soft girlish features, dressed in a loose shirt, wide open on his chest, plucks the strings of his lute. Watching his lips, you'd think he was humming. In front of him, on a marble table, there is an open music notebook and a violin with a bow.
Caravaggio builds his painting as a genre scene and, at the same time, as a still life. In addition to musical instruments, there are also fruits, vegetables, and flowers in a vase. The pear tail touches the sheet music page, executed so clearly that it is possible, if desired, you can decipher the melody. This melody is a madrigal Jacob Arkadelt, which is called "You know that I love you".
A battered music notebook, a crack in a lute, a burst fruit peel can remind you of the fragility of all earthly things. Five senses are also represented: hearing (music), taste (fruits), smell (flowers), sight (reflection in the glass of the vessel), touch (touching the strings).
A young man with a lute, 1595
The State Hermitage Museum, St. Petersburg
A young man with soft girlish features, dressed in a loose shirt, wide open on his chest, plucks the strings of his lute. Watching his lips, you'd think he was humming. In front of him, on a marble table, there is an open music notebook and a violin with a bow.
Caravaggio builds his painting as a genre scene and, at the same time, as a still life. In addition to musical instruments, there are also fruits, vegetables, and flowers in a vase. The pear tail touches the sheet music page, executed so clearly that it is possible, if desired, you can decipher the melody. This melody is a madrigal Jacob Arkadelt, which is called "You know that I love you".
A battered music notebook, a crack in a lute, a burst fruit peel can remind you of the fragility of all earthly things. Five senses are also represented: hearing (music), taste (fruits), smell (flowers), sight (reflection in the glass of the vessel), touch (touching the strings).
Винсент Ван Гог, 1853 - 1890
Ваза с ирисами на желтом фоне, 1890
Музей Ван Гога, Амстердам
Пребывая в лечебнице для душевнобольных, Ван Гог, стремясь отвлечься от душевных мук и переживаний, не переставал писать. В этот период жизни и творчества живописец создаёт натюрморт с ирисами.
Большое значение в картине отдаётся игре цвета. Художник хотел с помощью этого яркого сочетания противоположных оттенков максимально усилить интенсивность красочного строя картины. Вся композиция строится так, чтобы выделить и подчеркнуть это контрастное сочетание. Ван Гог практически не уделил внимания деталям, как бы объединив их в одну общую массу с помощью желтого цвета. Это позволяет сосредоточить внимание зрителя на ярком фиолетовом пятне ирисов посреди полотна.
Манера исполнения близка к японскому искусству. Светотеневая моделировка предметов почти отсутствует. Ван Гог изображает все детали плоскими, заливая широкие участки сплошными равномерными пятнами. Картина была написана в технике импасто, с помощью наложения густого слоя масляной краски. Несмотря на сильную контрастность, она полна нежности и лиризма. Художник аккуратно и любовно выписал лепестки цветов, тронутые увяданием.
Ваза с ирисами на желтом фоне, 1890
Музей Ван Гога, Амстердам
Пребывая в лечебнице для душевнобольных, Ван Гог, стремясь отвлечься от душевных мук и переживаний, не переставал писать. В этот период жизни и творчества живописец создаёт натюрморт с ирисами.
Большое значение в картине отдаётся игре цвета. Художник хотел с помощью этого яркого сочетания противоположных оттенков максимально усилить интенсивность красочного строя картины. Вся композиция строится так, чтобы выделить и подчеркнуть это контрастное сочетание. Ван Гог практически не уделил внимания деталям, как бы объединив их в одну общую массу с помощью желтого цвета. Это позволяет сосредоточить внимание зрителя на ярком фиолетовом пятне ирисов посреди полотна.
Манера исполнения близка к японскому искусству. Светотеневая моделировка предметов почти отсутствует. Ван Гог изображает все детали плоскими, заливая широкие участки сплошными равномерными пятнами. Картина была написана в технике импасто, с помощью наложения густого слоя масляной краски. Несмотря на сильную контрастность, она полна нежности и лиризма. Художник аккуратно и любовно выписал лепестки цветов, тронутые увяданием.
Vincent Van Gogh, 1853 - 1890
Vase with irises on a yellow background, 1890
Van Gogh Museum, Amsterdam
While staying in a mental hospital, Van Gogh, in an effort to distract himself from mental anguish and worries, did not stop writing. During this period of his life and work, the painter creates a still life with irises.
Great importance in the painting is given to the play of color. The artist wanted to maximize the intensity of the colorful structure of the painting with this bright combination of opposite shades. The whole composition is designed to highlight and emphasize this contrasting combination. Van Gogh paid almost no attention to the details, as if combining them into one common mass with the help of yellow. This allows you to focus the viewer's attention on a bright purple patch of irises in the middle of the canvas.
The manner of performance is close to Japanese art. There is almost no black-and-white modeling of objects. Van Gogh depicts all the details flat, filling wide areas with solid uniform spots. The painting was painted in the impasto technique, using a thick layer of oil paint. Despite the strong contrast, it is full of tenderness and lyricism. The artist carefully and lovingly painted the petals of flowers touched by withering.
Vase with irises on a yellow background, 1890
Van Gogh Museum, Amsterdam
While staying in a mental hospital, Van Gogh, in an effort to distract himself from mental anguish and worries, did not stop writing. During this period of his life and work, the painter creates a still life with irises.
Great importance in the painting is given to the play of color. The artist wanted to maximize the intensity of the colorful structure of the painting with this bright combination of opposite shades. The whole composition is designed to highlight and emphasize this contrasting combination. Van Gogh paid almost no attention to the details, as if combining them into one common mass with the help of yellow. This allows you to focus the viewer's attention on a bright purple patch of irises in the middle of the canvas.
The manner of performance is close to Japanese art. There is almost no black-and-white modeling of objects. Van Gogh depicts all the details flat, filling wide areas with solid uniform spots. The painting was painted in the impasto technique, using a thick layer of oil paint. Despite the strong contrast, it is full of tenderness and lyricism. The artist carefully and lovingly painted the petals of flowers touched by withering.
Марк Шагал, 1887 - 1985
Спящая женщина с цветами, 1972
Музей Альбертина, Вена
Одним из наиболее характерных элементов творчества Шагала является использование насыщенных и часто необычных цветов. Формы могли находиться на разных плоскостях, а перспективные искажения использовались для передачи чувства внутреннего мира.
Художник смело играет с пропорциями. Преувеличено крупный букет в вазе, который словно наслаивается на основное изображение. Картина имеет живую фактуру. В каких-то частях полотна Шагал использует довольно жидкую краску и мазки сливаются в единое целое. С другой стороны, мазки вазы с букетом объемные, выпуклые, энергичные, экспрессивные.
Магический синий, спящая на лугу девушка, а в воздухе витает аромат луговых цветов. Колорит напряженный, что-то мифическое в небе, может быть это сон?
Спящая женщина с цветами, 1972
Музей Альбертина, Вена
Одним из наиболее характерных элементов творчества Шагала является использование насыщенных и часто необычных цветов. Формы могли находиться на разных плоскостях, а перспективные искажения использовались для передачи чувства внутреннего мира.
Художник смело играет с пропорциями. Преувеличено крупный букет в вазе, который словно наслаивается на основное изображение. Картина имеет живую фактуру. В каких-то частях полотна Шагал использует довольно жидкую краску и мазки сливаются в единое целое. С другой стороны, мазки вазы с букетом объемные, выпуклые, энергичные, экспрессивные.
Магический синий, спящая на лугу девушка, а в воздухе витает аромат луговых цветов. Колорит напряженный, что-то мифическое в небе, может быть это сон?
Marc Chagall, 1887 - 1985
Sleeping Woman with flowers, 1972
Albertina Museum, Vienna
One of the most characteristic elements of Chagall's work is the use of saturated and often unusualcolors. Shapes could be on different planes, and perspective distortions were used to convey a sense of inner peace.
The artist boldly plays with proportions. A large bouquet in a vase is exaggerated, which seems to belayered on the main image. The painting has a lively texture. In some parts of the canvas, Chagall uses a rather liquid paint and the strokes merge into a single whole. On the other hand, the brushstrokes of a vase with a bouquet are voluminous, convex, energetic, expressive.
A magical blue, a girl sleeping in a meadow, and the scent of meadow flowers is in the air. The color is intense, there is something mythical in the sky, maybe it's a dream?
Sleeping Woman with flowers, 1972
Albertina Museum, Vienna
One of the most characteristic elements of Chagall's work is the use of saturated and often unusualcolors. Shapes could be on different planes, and perspective distortions were used to convey a sense of inner peace.
The artist boldly plays with proportions. A large bouquet in a vase is exaggerated, which seems to belayered on the main image. The painting has a lively texture. In some parts of the canvas, Chagall uses a rather liquid paint and the strokes merge into a single whole. On the other hand, the brushstrokes of a vase with a bouquet are voluminous, convex, energetic, expressive.
A magical blue, a girl sleeping in a meadow, and the scent of meadow flowers is in the air. The color is intense, there is something mythical in the sky, maybe it's a dream?
Фабио Д'Арома, 1973
Первая мысль, 2022
Частная галерея современного искусства, Италия
Фабио Д'Арома - итальянский художник, который рисует в гротескно - фигуративном стиле. В 2022 году он открыл свою личную галерею в Риме и демонстрационный зал в Пескара, в которых находятся оригиналы его работ.
Какая первая мысль возникает от просмотра картины? Скорее всего вы скажете, что художник перепутал зубную пасту с краской. Да, так и есть, ведь он живёт искусством и его смысл жизни – это творчество. Художник настолько увлечён и погружен в своё творение, что случайно нанёс краску на тюбик щётки.
Качественная прорисованная детализация картины наталкивает на вторую мысль, что это фотография, но на самом деле оригинал прорисован маслом на холсте.
Первая мысль, 2022
Частная галерея современного искусства, Италия
Фабио Д'Арома - итальянский художник, который рисует в гротескно - фигуративном стиле. В 2022 году он открыл свою личную галерею в Риме и демонстрационный зал в Пескара, в которых находятся оригиналы его работ.
Какая первая мысль возникает от просмотра картины? Скорее всего вы скажете, что художник перепутал зубную пасту с краской. Да, так и есть, ведь он живёт искусством и его смысл жизни – это творчество. Художник настолько увлечён и погружен в своё творение, что случайно нанёс краску на тюбик щётки.
Качественная прорисованная детализация картины наталкивает на вторую мысль, что это фотография, но на самом деле оригинал прорисован маслом на холсте.
Fabio D’Aroma, 1973
First Thought, 2022
Station Museum of Contemporary Art, Italy
Fabio D'aroma is an Italian artist who paints in a grotesquely figurative style. In 2022, he opened his personal gallery in Rome and a showroom in Pescara, which houses the originals of his works.
What is the first thought that arises from watching the painting? Most likely, you will say that the artist confused toothpaste with paint. Yes, it is, because he lives by art and his meaning of life is creativity. The artist is so passionate and immersed in his creation that he accidentally applied paint to a tube of brush.
The high-quality rendered detail of the painting suggests a second thought that this is a photograph, but in fact the original is drawn in oil on canvas .
First Thought, 2022
Station Museum of Contemporary Art, Italy
Fabio D'aroma is an Italian artist who paints in a grotesquely figurative style. In 2022, he opened his personal gallery in Rome and a showroom in Pescara, which houses the originals of his works.
What is the first thought that arises from watching the painting? Most likely, you will say that the artist confused toothpaste with paint. Yes, it is, because he lives by art and his meaning of life is creativity. The artist is so passionate and immersed in his creation that he accidentally applied paint to a tube of brush.
The high-quality rendered detail of the painting suggests a second thought that this is a photograph, but in fact the original is drawn in oil on canvas .
Альбрехт Дюрер, 1471 - 1528
Заяц, 1502
Музей Альбертина, Вена
Дюрер известен как первый немецкий художник, активно использующий акварель и из-за этого шерсть зайца детально проработана тысячами мазков кистью. Мех выглядит пушистым благодаря использованию серых, коричневых, рыжих мазков разной длины: короткие – на ушах, длинные – на боках и туловище.
В качестве материалов использовалась подкрашенная коричневая бумага, наклеенная на картон, акварель, гуашь и белила. Вполне вероятно, что рисунок был выполнен в помещении: в глазу зайца отражается переплёт окна. Разворот модели выбран в три четверти, взгляд художника направлен сверху. Несмотря на крайнюю степень детализации, рисунок сохраняет цельность образа, впечатления. Перед нами настороженно прислушивающийся, пугливый зверек, готовый обратиться в бегство.
Заяц, 1502
Музей Альбертина, Вена
Дюрер известен как первый немецкий художник, активно использующий акварель и из-за этого шерсть зайца детально проработана тысячами мазков кистью. Мех выглядит пушистым благодаря использованию серых, коричневых, рыжих мазков разной длины: короткие – на ушах, длинные – на боках и туловище.
В качестве материалов использовалась подкрашенная коричневая бумага, наклеенная на картон, акварель, гуашь и белила. Вполне вероятно, что рисунок был выполнен в помещении: в глазу зайца отражается переплёт окна. Разворот модели выбран в три четверти, взгляд художника направлен сверху. Несмотря на крайнюю степень детализации, рисунок сохраняет цельность образа, впечатления. Перед нами настороженно прислушивающийся, пугливый зверек, готовый обратиться в бегство.
Albrecht Durer, 1471 - 1528
Hare, 1502
Albertina Museum, Vienna
Durer is known as the first German artist to actively use watercolor and because of this, the hare's coat is worked out in detail with thousands of brush strokes. The furlooks fluffy due to the use of gray, brown, red strokes of different lengths: short – on the ears, long – on the sides and trunk.
The materials used were tinted brown paper pasted on cardboard, watercolor, gouache and whitewash. It is likely that the drawing was made indoors: the window cover is reflected in the eye of the hare. The reversal of the model is selected in three quarters, the artist's gaze is directed from above. Despite the extreme degree of detail, the drawing retains the integrity of the image and impression. In front of us is a wary, timid animal, ready to take flight.
Hare, 1502
Albertina Museum, Vienna
Durer is known as the first German artist to actively use watercolor and because of this, the hare's coat is worked out in detail with thousands of brush strokes. The furlooks fluffy due to the use of gray, brown, red strokes of different lengths: short – on the ears, long – on the sides and trunk.
The materials used were tinted brown paper pasted on cardboard, watercolor, gouache and whitewash. It is likely that the drawing was made indoors: the window cover is reflected in the eye of the hare. The reversal of the model is selected in three quarters, the artist's gaze is directed from above. Despite the extreme degree of detail, the drawing retains the integrity of the image and impression. In front of us is a wary, timid animal, ready to take flight.
Клод Моне, 1840 - 1926
Дорожка в саду Живерни, 1902
Музей истории искусств, Вена
Большинство шедевров Клода Моне были написаны в Живерни, где художник прожил более 40 лет. Моне приобрёл там участок земли и устроил сад с прудами. В Живерни художник чувствовал себя комфортнее всего, получая невероятное наслаждение от общения с садом.
Сад находился перед домом, а строгие прямые линии аллей рельефно контрастировали с пестрым ковром благоухающих весь год цветов, которые менялись несколько раз в году.
Главная дорожка сада утопает в лучах весеннего солнца. Лёгкие, тонкие мазки как бы порхают над поверхностью холста, создавая ощущение нежного мерцания. Свет пронизывает каждый сантиметр холста, лёгкие тени прозрачны. Удивительный фейерверк лиловых, золотисто-желтых, зелёных, красных мазков прекрасно передаёт ощущение цельности и яркости зрительного восприятия природы.
Дорожка в саду Живерни, 1902
Музей истории искусств, Вена
Большинство шедевров Клода Моне были написаны в Живерни, где художник прожил более 40 лет. Моне приобрёл там участок земли и устроил сад с прудами. В Живерни художник чувствовал себя комфортнее всего, получая невероятное наслаждение от общения с садом.
Сад находился перед домом, а строгие прямые линии аллей рельефно контрастировали с пестрым ковром благоухающих весь год цветов, которые менялись несколько раз в году.
Главная дорожка сада утопает в лучах весеннего солнца. Лёгкие, тонкие мазки как бы порхают над поверхностью холста, создавая ощущение нежного мерцания. Свет пронизывает каждый сантиметр холста, лёгкие тени прозрачны. Удивительный фейерверк лиловых, золотисто-желтых, зелёных, красных мазков прекрасно передаёт ощущение цельности и яркости зрительного восприятия природы.
Claude Monet, 1840 - 1926
The path in the Giverny Garden, 1902
Museum of Art History, Vienna
Most of Claude Monet's masterpieces were painted in Giverny, where the artist lived for more than 40 years. Monet purchased a plot of land there and set up a garden with ponds. In Giverny, the artist felt most comfortable, getting incredible pleasure from communicating with the garden.
The garden was in front of the house, and the strict straight lines of the alleys contrasted in relief with a colorful carpet of fragrant flowers all year round, which changed several times a year.
The main path of the garden is bathed in the rays of the spring sun. Light, subtle strokes seem to flutter over the surface of the canvas, creating a feeling of gentle shimmer. Light penetrates every centimeter of the canvas, light shadows are transparent. An amazing fireworks display of purple, golden yellow, green, red strokes perfectly conveys the feeling of wholeness and brightness of the visual perception of nature.
The path in the Giverny Garden, 1902
Museum of Art History, Vienna
Most of Claude Monet's masterpieces were painted in Giverny, where the artist lived for more than 40 years. Monet purchased a plot of land there and set up a garden with ponds. In Giverny, the artist felt most comfortable, getting incredible pleasure from communicating with the garden.
The garden was in front of the house, and the strict straight lines of the alleys contrasted in relief with a colorful carpet of fragrant flowers all year round, which changed several times a year.
The main path of the garden is bathed in the rays of the spring sun. Light, subtle strokes seem to flutter over the surface of the canvas, creating a feeling of gentle shimmer. Light penetrates every centimeter of the canvas, light shadows are transparent. An amazing fireworks display of purple, golden yellow, green, red strokes perfectly conveys the feeling of wholeness and brightness of the visual perception of nature.
Клод Моне, 1840 - 1926
Пруд с кувшинками, 1899
Художественный музей Принстонского университета, Нью-Джерси
Это произведение в стиле «импрессионизм» относится к позднему творчеству художника.Купив участок земли художник создал на его месте живописный сад с экзотическими деревьями, прудом с кувшинками и мостиком в японском стиле. В этом тенистом таинственном уголке Моне несколько лет писал целую серию картин с водяными лилиями.
Многочисленные кувшинки изображены белыми, розовыми, синими мазками. Они привносят ощущение жизни в картину. Художнику удалось передать ощущение покоя и тишины. Глядя на полотно, слышишь, как щебечут птицы и жужжат насекомые.
Изящный мостик в стиле Хокусая визуально делит полотно на две части. На его дне отражается рефлекс от воды. Мостик напоминает о присутствии человека в этой картине. По нему хочется пройтись, постоять посередине и полюбоваться на открывшийся вид.
Пруд с кувшинками, 1899
Художественный музей Принстонского университета, Нью-Джерси
Это произведение в стиле «импрессионизм» относится к позднему творчеству художника.Купив участок земли художник создал на его месте живописный сад с экзотическими деревьями, прудом с кувшинками и мостиком в японском стиле. В этом тенистом таинственном уголке Моне несколько лет писал целую серию картин с водяными лилиями.
Многочисленные кувшинки изображены белыми, розовыми, синими мазками. Они привносят ощущение жизни в картину. Художнику удалось передать ощущение покоя и тишины. Глядя на полотно, слышишь, как щебечут птицы и жужжат насекомые.
Изящный мостик в стиле Хокусая визуально делит полотно на две части. На его дне отражается рефлекс от воды. Мостик напоминает о присутствии человека в этой картине. По нему хочется пройтись, постоять посередине и полюбоваться на открывшийся вид.
Claude Monet, 1840 - 1926
Pond with water lilies, 1899
Princeton University Museum of Art, New Jersey
This work in the style of "impressionism" refers to the late work of the artist. Having bought a plot of land, the artist created in its place a picturesque garden with exotic trees, a pond with water lilies and a Japanese-style bridge. In this shady, mysterious corner, Monet painted a series of paintings with water lilies for several years.
Numerous water lilies are depicted in white, pink, and blue strokes. They bring a sense of life to the picture. The artist managed to convey a feeling of peace and quiet. Looking at the canvas, you can hear birds chirping and insects buzzing.
An elegant Hokusai-style bridge visually divides the canvas into two parts. The reflex from the water is reflected on its bottom. The bridge reminds of the presence of a person in this painting. You want to walk along it, stand in the middle and admire the view.
Pond with water lilies, 1899
Princeton University Museum of Art, New Jersey
This work in the style of "impressionism" refers to the late work of the artist. Having bought a plot of land, the artist created in its place a picturesque garden with exotic trees, a pond with water lilies and a Japanese-style bridge. In this shady, mysterious corner, Monet painted a series of paintings with water lilies for several years.
Numerous water lilies are depicted in white, pink, and blue strokes. They bring a sense of life to the picture. The artist managed to convey a feeling of peace and quiet. Looking at the canvas, you can hear birds chirping and insects buzzing.
An elegant Hokusai-style bridge visually divides the canvas into two parts. The reflex from the water is reflected on its bottom. The bridge reminds of the presence of a person in this painting. You want to walk along it, stand in the middle and admire the view.
Анри де Тулуз-Лотрек, 1864 - 1901
Белая лошадь «Газель», 1881
Галерея Альбертина, Вена
Анри де Тулуз-Лотрек вырос в семье профессиональных наездников и сам любил лошадей, но из-за болезни не мог заниматься верховой ездой. Отчаяние и бессилие Лотрека вылилось в одержимость живописью.
На этой композиции изображена белая лошадь, выглядывающая из конюшни. Лошадь смотрит на нас и её спина слегка изогнута. Художнику, несомненно, было трудно создать этот портрет, такова непредсказуемая природа работы с животными.
Лошади были одним из самых популярных видов животных, которые на протяжении последних нескольких столетий выполняли различные роли в жизни, как в качестве домашних животных, а также в спортивных соревнованиях. Их элегантные черты сделали лошадей популярным выбором среди художников.
Белая лошадь «Газель», 1881
Галерея Альбертина, Вена
Анри де Тулуз-Лотрек вырос в семье профессиональных наездников и сам любил лошадей, но из-за болезни не мог заниматься верховой ездой. Отчаяние и бессилие Лотрека вылилось в одержимость живописью.
На этой композиции изображена белая лошадь, выглядывающая из конюшни. Лошадь смотрит на нас и её спина слегка изогнута. Художнику, несомненно, было трудно создать этот портрет, такова непредсказуемая природа работы с животными.
Лошади были одним из самых популярных видов животных, которые на протяжении последних нескольких столетий выполняли различные роли в жизни, как в качестве домашних животных, а также в спортивных соревнованиях. Их элегантные черты сделали лошадей популярным выбором среди художников.
Henri de Toulouse-Lautrec, 1864 - 1901
The white horse "Gazelle", 1881
Albertina Gallery, Vienna
Henri de Toulouse-Lautrec grew up in a family of professional riders and loved horses himself, but due to illness he could not practice horseback riding. Lautrec's despair and impotence resulted in an obsession with painting.
This composition depicts a white horse peeking out of a stable. The horse is looking at us and its back is slightly curved. It was undoubtedly difficult for the artist to create this portrait, such is the unpredictable nature of working with animals.
Horses have been one of the most popular animal species, which over the past few centuries have performed various roles in life, both as pets as well as in sports competitions. Their elegant features have made horses a popular choice among artists.
The white horse "Gazelle", 1881
Albertina Gallery, Vienna
Henri de Toulouse-Lautrec grew up in a family of professional riders and loved horses himself, but due to illness he could not practice horseback riding. Lautrec's despair and impotence resulted in an obsession with painting.
This composition depicts a white horse peeking out of a stable. The horse is looking at us and its back is slightly curved. It was undoubtedly difficult for the artist to create this portrait, such is the unpredictable nature of working with animals.
Horses have been one of the most popular animal species, which over the past few centuries have performed various roles in life, both as pets as well as in sports competitions. Their elegant features have made horses a popular choice among artists.
Йозеф Исраэлс, 1824 - 1911
Дети моря, 1872
Государственный музей Рейксмузеум, Амстердам
Для этого периода творчества Израэльса характерно использование серо-серебристого цвета и общее меланхолическое настроение большинства работ.
Вода, кажется, стекает с края полотна, вызывая ощущение, что мы тоже стоим по щиколотку в прибое. Но эта сцена содержит серьёзное послание о тяготах существования рыбаков.
Художник изображает играющих детей, одетых в одежду рабочего класса, а игрушка представляет собой парусную лодку на мелководье. В картине отражаются социальные реалии жизни той эпохи, существенно отличающейся от нынешней.
Дети моря, 1872
Государственный музей Рейксмузеум, Амстердам
Для этого периода творчества Израэльса характерно использование серо-серебристого цвета и общее меланхолическое настроение большинства работ.
Вода, кажется, стекает с края полотна, вызывая ощущение, что мы тоже стоим по щиколотку в прибое. Но эта сцена содержит серьёзное послание о тяготах существования рыбаков.
Художник изображает играющих детей, одетых в одежду рабочего класса, а игрушка представляет собой парусную лодку на мелководье. В картине отражаются социальные реалии жизни той эпохи, существенно отличающейся от нынешней.
Joseph Israels, 1824 - 1911
Children of the Sea, 1872
Rijksmuseum, Amsterdam
This period of Israels' work is characterized by the use of gray-silver color and the general melancholic mood of most of the works.
The water seems to flow down from the edge of the canvas, causing the feeling that we are also standing ankle-deep in the surf. But this scene contains a serious message about the hardships of fishermen's existence.
The artist depicts children playing, dressed in working class clothes, and the toy is a sailing boat in shallow water. The painting reflects the social realities of life in that era, which is significantly different from the current one.
Children of the Sea, 1872
Rijksmuseum, Amsterdam
This period of Israels' work is characterized by the use of gray-silver color and the general melancholic mood of most of the works.
The water seems to flow down from the edge of the canvas, causing the feeling that we are also standing ankle-deep in the surf. But this scene contains a serious message about the hardships of fishermen's existence.
The artist depicts children playing, dressed in working class clothes, and the toy is a sailing boat in shallow water. The painting reflects the social realities of life in that era, which is significantly different from the current one.
Винсент Ван Гог, 1853 - 1890
Пейзаж в сумерках, 1890
Музей Ван Гога, Амстердам
Ван Гог написал этот вечерний пейзаж в полях близ Овера, с видом на местный замок. На переднем плане мешаниной крупных мазков он нарисовал грушевые деревьев. При этом усилил контраст листьев на фоне залитого желтым небом.
Художник так описывал этот сумеречный пейзаж: «Вечер, два грушевых дерева представляются совершенно чёрными на фоне становящегося желтым неба. Кругом зерновые поля, а на фиолетовом фоне — замок, утопающий в могучей тёмной листве. Всё получилось, как я предполагал, я лучше воспринимаю фиолетовое там, где оно есть. Овер, несомненно, очень красивое место».
Пейзаж в сумерках, 1890
Музей Ван Гога, Амстердам
Ван Гог написал этот вечерний пейзаж в полях близ Овера, с видом на местный замок. На переднем плане мешаниной крупных мазков он нарисовал грушевые деревьев. При этом усилил контраст листьев на фоне залитого желтым небом.
Художник так описывал этот сумеречный пейзаж: «Вечер, два грушевых дерева представляются совершенно чёрными на фоне становящегося желтым неба. Кругом зерновые поля, а на фиолетовом фоне — замок, утопающий в могучей тёмной листве. Всё получилось, как я предполагал, я лучше воспринимаю фиолетовое там, где оно есть. Овер, несомненно, очень красивое место».
Vincent Van Gogh, 1853 - 1890
Landscape at dusk, 1890
Van Gogh Museum, Amsterdam
Van Gogh painted this evening landscape in the fields near Auvers, overlooking the local castle. In the foreground, he painted pear trees with a jumble of large strokes. At the same time, he increased the contrast of the leaves against the background of a flooded yellow sky.
The artist described this twilight landscape in this way: "Evening, two pear trees appear completely black against the background of the sky turning yellow. There are grain fields all around, and on a purple background there is a castle surrounded by mighty dark foliage. Everything turned out as I expected, I perceive purple better where it is. Over is undoubtedly a very beautiful place".
Landscape at dusk, 1890
Van Gogh Museum, Amsterdam
Van Gogh painted this evening landscape in the fields near Auvers, overlooking the local castle. In the foreground, he painted pear trees with a jumble of large strokes. At the same time, he increased the contrast of the leaves against the background of a flooded yellow sky.
The artist described this twilight landscape in this way: "Evening, two pear trees appear completely black against the background of the sky turning yellow. There are grain fields all around, and on a purple background there is a castle surrounded by mighty dark foliage. Everything turned out as I expected, I perceive purple better where it is. Over is undoubtedly a very beautiful place".
Ханс Гиллис Болоньер, 1600 - 1672
Цветочный натюрморт, 1639
Государственный музей Рейкмузей, Амстердам
Голландский художник Ханс Болонджер из Харлема специализировался в жанре цветочного натюрморта. В сравнении с другими художниками, в его натюрмортах использованы мощный контраст между светлым и тёмным, а также сильные и свободные мазки.
От художника к зрителю передаётся восхищение созданием природы, многообразием красок, расцветок, форм, строением цветков.
Этот пышный букет выглядит естественно, но тюльпаны, анемоны, розы и гвоздики не распускаются одновременно. Тем не менее, художнику удалось создать сбалансированную композицию.
Натюрморт был написан вскоре после краха голландской фондовой биржи в 1637 году, когда многие люди обанкротились из-за спекуляций луковицами тюльпанов. Таким образом, этот праздничный букет может свидетельствовать о бренности земного бытия.
Цветочный натюрморт, 1639
Государственный музей Рейкмузей, Амстердам
Голландский художник Ханс Болонджер из Харлема специализировался в жанре цветочного натюрморта. В сравнении с другими художниками, в его натюрмортах использованы мощный контраст между светлым и тёмным, а также сильные и свободные мазки.
От художника к зрителю передаётся восхищение созданием природы, многообразием красок, расцветок, форм, строением цветков.
Этот пышный букет выглядит естественно, но тюльпаны, анемоны, розы и гвоздики не распускаются одновременно. Тем не менее, художнику удалось создать сбалансированную композицию.
Натюрморт был написан вскоре после краха голландской фондовой биржи в 1637 году, когда многие люди обанкротились из-за спекуляций луковицами тюльпанов. Таким образом, этот праздничный букет может свидетельствовать о бренности земного бытия.
Hans Gillisz Bollongier, 1600 - 1672
Floral Still Life, 1639
Rijksmuseum Amsterdam
Dutch artist Hans Bolonger from Haarlem specialized in the genre of floral still life. In comparison with other artists, his still lifes use a powerful contrast between light and dark, as well as strong and loose brushstrokes.
Admiration for the creation of nature, the variety of colors, colors, shapes, and the structure of flowers is transmitted from the artist to the viewer.
This exuberant bouquet may look natural, but tulips, anemones, roses and carnations do not all bloom at the same time. Bollongier nevertheless managed to assemble a balanced composition.
The still life was painted shortly after the Dutch stock market crashed in 1637, when many people went bankrupt due to the speculation in tulip bulbs. This festive bouquet may thus refer to the transience of earthly matters.
Floral Still Life, 1639
Rijksmuseum Amsterdam
Dutch artist Hans Bolonger from Haarlem specialized in the genre of floral still life. In comparison with other artists, his still lifes use a powerful contrast between light and dark, as well as strong and loose brushstrokes.
Admiration for the creation of nature, the variety of colors, colors, shapes, and the structure of flowers is transmitted from the artist to the viewer.
This exuberant bouquet may look natural, but tulips, anemones, roses and carnations do not all bloom at the same time. Bollongier nevertheless managed to assemble a balanced composition.
The still life was painted shortly after the Dutch stock market crashed in 1637, when many people went bankrupt due to the speculation in tulip bulbs. This festive bouquet may thus refer to the transience of earthly matters.
Рембрант Харменс ван Рейн, 1606 - 1669
Ночной дозор, 1642
Государственный музей, Амстердам
Полотно заказало Стрелковое общество — отряд гражданского ополчения, действовавший в Голландии.
Во времена Рембрандта портреты изображались в статичных позах и с симметричной композицией. Он же отошёл от канона голландской живописи и изобразил стрелков в движении. Они выходят из темного двора на площадь, освещенную солнцем. Здесь проявляется характерная для мастера игра света и тени. Капитан Баннинг Кок отдает приказ о выступлении лейтенанту Рёйтенбюргу. Все герои непосредственны и динамичны, движутся даже детали их одежды. Другим новшеством стало то, что художник наполнил картину, помимо заказчиков, другими персонажами. Особое внимание привлекает девочка в золотистом платье. На ней есть традиционные символы мушкетеров. На этом основании предполагается, что девочка — талисман отряда.
Название «Ночной дозор» придумали искусствоведы в 19 веке. Они достали полотно из запасников, увидели, как фигуры выступают на тёмном фоне, и подумали, что Рембрандт изобразил ночь. И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что за годы картина успела покрыться слоем копоти, а лак потемнел.
Масштаб полотна 3,5*4,5 метра.
Ночной дозор, 1642
Государственный музей, Амстердам
Полотно заказало Стрелковое общество — отряд гражданского ополчения, действовавший в Голландии.
Во времена Рембрандта портреты изображались в статичных позах и с симметричной композицией. Он же отошёл от канона голландской живописи и изобразил стрелков в движении. Они выходят из темного двора на площадь, освещенную солнцем. Здесь проявляется характерная для мастера игра света и тени. Капитан Баннинг Кок отдает приказ о выступлении лейтенанту Рёйтенбюргу. Все герои непосредственны и динамичны, движутся даже детали их одежды. Другим новшеством стало то, что художник наполнил картину, помимо заказчиков, другими персонажами. Особое внимание привлекает девочка в золотистом платье. На ней есть традиционные символы мушкетеров. На этом основании предполагается, что девочка — талисман отряда.
Название «Ночной дозор» придумали искусствоведы в 19 веке. Они достали полотно из запасников, увидели, как фигуры выступают на тёмном фоне, и подумали, что Рембрандт изобразил ночь. И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что за годы картина успела покрыться слоем копоти, а лак потемнел.
Масштаб полотна 3,5*4,5 метра.
Rembrandt Harmens van Rijn, 1606 - 1669
Night Watch, 1642
The Rijksmuseum, Amsterdam
The canvas was ordered by the Rifle Society, a detachment of civil militia operating in Holland.
In the time of Rembrandt, portraits were depicted in static poses and with a symmetrical composition. He also departed from the canon of Dutch painting and depicted shooters in motion. They come out of the dark courtyard onto the square, illuminated by the sun. The play of light and shadow, characteristic of the master, is manifested here. Captain Banning Cook gives the order to Lieutenant Reitenburg to act. All the characters are direct and dynamic, even the details of their clothes move. Another innovation was that the artist filled the painting, in addition to the customers, with other characters. A girl in a golden dress attracts special attention. It has the traditional symbols of the Musketeers on it. On this basis, it is assumed that the girl is the mascot of the squad.
The name "Night Watch" was coined by art historians in the 19th century. They took the canvas out of the storerooms, saw how the figures stood out against a dark background, and thought that Rembrandt had depicted the night. And only during the restoration, carried out in 1947, it was discovered that over the years the painting had managed to become covered with a layer of soot, and the varnish had darkened.
The scale of the canvas is 3.5*4.5 meters.
Night Watch, 1642
The Rijksmuseum, Amsterdam
The canvas was ordered by the Rifle Society, a detachment of civil militia operating in Holland.
In the time of Rembrandt, portraits were depicted in static poses and with a symmetrical composition. He also departed from the canon of Dutch painting and depicted shooters in motion. They come out of the dark courtyard onto the square, illuminated by the sun. The play of light and shadow, characteristic of the master, is manifested here. Captain Banning Cook gives the order to Lieutenant Reitenburg to act. All the characters are direct and dynamic, even the details of their clothes move. Another innovation was that the artist filled the painting, in addition to the customers, with other characters. A girl in a golden dress attracts special attention. It has the traditional symbols of the Musketeers on it. On this basis, it is assumed that the girl is the mascot of the squad.
The name "Night Watch" was coined by art historians in the 19th century. They took the canvas out of the storerooms, saw how the figures stood out against a dark background, and thought that Rembrandt had depicted the night. And only during the restoration, carried out in 1947, it was discovered that over the years the painting had managed to become covered with a layer of soot, and the varnish had darkened.
The scale of the canvas is 3.5*4.5 meters.
Франсуа Буше, 1703 - 1770
Амуры. Аллегория живописи, 1760
Государственный Эрмитаж, Санкт - Петербург
Будучи приверженцем изящной живописи эпохи рококо полотна Буше, в большинстве случаев, представляли собой пасторальные, мифологические и безмятежные жанровые сценки.
Сюжет произведения представляет собой символическое изображение одного из основных видов искусства – живописи. На картине два розовощеких амура расположившись в облаках, увлеченно делают набросок с гипсовой головы богини. Рядом лежат самые главные инструменты художника: палитра со следами краски и связка кистей.
Полотно написано легко и воздушно, почти все линии отличаются мягкостью, округлостью. Изображение отличает фарфоровая чистота красок и присутствие любимого цветового сочетания художника, состоящего из нежно золотистого, светло-розового и голубого.
Амуры. Аллегория живописи, 1760
Государственный Эрмитаж, Санкт - Петербург
Будучи приверженцем изящной живописи эпохи рококо полотна Буше, в большинстве случаев, представляли собой пасторальные, мифологические и безмятежные жанровые сценки.
Сюжет произведения представляет собой символическое изображение одного из основных видов искусства – живописи. На картине два розовощеких амура расположившись в облаках, увлеченно делают набросок с гипсовой головы богини. Рядом лежат самые главные инструменты художника: палитра со следами краски и связка кистей.
Полотно написано легко и воздушно, почти все линии отличаются мягкостью, округлостью. Изображение отличает фарфоровая чистота красок и присутствие любимого цветового сочетания художника, состоящего из нежно золотистого, светло-розового и голубого.
Francois Boucher, 1703 - 1770
Cupids. Allegory of painting, 1760
The State Hermitage Museum, St. Petersburg
Being an adherent of elegant Rococo painting, Boucher's canvases, in most cases, represented pastoral, mythological and serene genre scenes.
The plot of the work is a symbolic representation of one of the main types of art – painting. In the painting, two rosy-cheeked cupids, sitting in the clouds, enthusiastically make a sketch from the plaster head of the goddess. Nearby are the most important tools of the artist: a palette with traces of paint and a bunch of brushes.
The canvas is painted lightly and airy, almost all the lines are soft and rounded. The image is distinguished by the porcelain purity of colors and the presence of the artist's favorite color combination, consisting of gently golden, light pink and blue.
Cupids. Allegory of painting, 1760
The State Hermitage Museum, St. Petersburg
Being an adherent of elegant Rococo painting, Boucher's canvases, in most cases, represented pastoral, mythological and serene genre scenes.
The plot of the work is a symbolic representation of one of the main types of art – painting. In the painting, two rosy-cheeked cupids, sitting in the clouds, enthusiastically make a sketch from the plaster head of the goddess. Nearby are the most important tools of the artist: a palette with traces of paint and a bunch of brushes.
The canvas is painted lightly and airy, almost all the lines are soft and rounded. The image is distinguished by the porcelain purity of colors and the presence of the artist's favorite color combination, consisting of gently golden, light pink and blue.
Франсуа Буше, 1703 - 1770
Амуры. Аллегория поэзии, 1760
Государственный Эрмитаж, Санкт - Петербург
Чувственность, жизнерадостность, лёгкость и даже легкомысленность, изящный колорит (в основе которого - светлые оттенки розового и синего), округлость и асимметричность линий, смелые композиционные решения и динамичный мазок наполняют движением картину французского художника Франсуа Буше.
Прекрасно раскрывают смысл работы строки из стихотворения:
Творят Амуры, создают Поэзию для Муз.
Готов ли ты, мой друг, поверить в это?
Амурам в облаках посилен этот груз,
А Музы дарят их творения Поэтам.
А Муз не так уж много, посмотри,
Являются к тебе ли в час рассветный?
А у кого живут и те Амура три,
И Музы? Да, у настоящего Поэта.
Амуры. Аллегория поэзии, 1760
Государственный Эрмитаж, Санкт - Петербург
Чувственность, жизнерадостность, лёгкость и даже легкомысленность, изящный колорит (в основе которого - светлые оттенки розового и синего), округлость и асимметричность линий, смелые композиционные решения и динамичный мазок наполняют движением картину французского художника Франсуа Буше.
Прекрасно раскрывают смысл работы строки из стихотворения:
Творят Амуры, создают Поэзию для Муз.
Готов ли ты, мой друг, поверить в это?
Амурам в облаках посилен этот груз,
А Музы дарят их творения Поэтам.
А Муз не так уж много, посмотри,
Являются к тебе ли в час рассветный?
А у кого живут и те Амура три,
И Музы? Да, у настоящего Поэта.
Francois Boucher, 1703 - 1770
Cupids. Allegory of Poetry, 1760
The State Hermitage Museum, St. Petersburg
Sensuality, cheerfulness, lightness and even frivolity, elegant coloring (based on light shades of pink and blue), roundness and asymmetry of lines, bold compositional solutions and dynamic brushstroke fill the painting with movement by French artist Francois Boucher.
The lines from the poem perfectly reveal the meaning of the work:
Cupids create, create Poetry for the Muses
Are you ready, my friend, to believe this?
Cupids in the clouds have this cargo,
And the Muses give their creations to Poets.
And there are not so many Muses, look,
Do they come to you at the hour of dawn?
And who lives with those three Cupids,
And the Muses? Yes, a real Poet.
Cupids. Allegory of Poetry, 1760
The State Hermitage Museum, St. Petersburg
Sensuality, cheerfulness, lightness and even frivolity, elegant coloring (based on light shades of pink and blue), roundness and asymmetry of lines, bold compositional solutions and dynamic brushstroke fill the painting with movement by French artist Francois Boucher.
The lines from the poem perfectly reveal the meaning of the work:
Cupids create, create Poetry for the Muses
Are you ready, my friend, to believe this?
Cupids in the clouds have this cargo,
And the Muses give their creations to Poets.
And there are not so many Muses, look,
Do they come to you at the hour of dawn?
And who lives with those three Cupids,
And the Muses? Yes, a real Poet.
Альберт Эдельфейт, 1854 - 1905
Добрые друзья, 1881
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
На картине запечатлена трогательная сцена, где 12-ти летняя сестра художника Берта читает книгу, а её верный четвероногий друг Капи, беспрестанно следуя за ней повсюду, с энтузиазмом увлекается тем же занятием, что и хозяйка.
Интерьер дачи художника в Хайкко идеально подошёл для написания работы. Из раскрытого окна льются потоки солнечных лучей, наполняя светом всё вокруг, от этого работа веет теплом и ароматом лета. Сюжет обеспечивает полное погружение в идиллическую атмосферу детства, навевая каждому какие-то свои воспоминания об этом золотом времени.
Находясь под большим впечатлением от этого произведения, Великий князь Владимир Александрович и Император Александр III заказали Эдельфельтуаналогичные по композиции портреты своих детей.
Добрые друзья, 1881
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
На картине запечатлена трогательная сцена, где 12-ти летняя сестра художника Берта читает книгу, а её верный четвероногий друг Капи, беспрестанно следуя за ней повсюду, с энтузиазмом увлекается тем же занятием, что и хозяйка.
Интерьер дачи художника в Хайкко идеально подошёл для написания работы. Из раскрытого окна льются потоки солнечных лучей, наполняя светом всё вокруг, от этого работа веет теплом и ароматом лета. Сюжет обеспечивает полное погружение в идиллическую атмосферу детства, навевая каждому какие-то свои воспоминания об этом золотом времени.
Находясь под большим впечатлением от этого произведения, Великий князь Владимир Александрович и Император Александр III заказали Эдельфельтуаналогичные по композиции портреты своих детей.
Albert Edelfeit, 1854 - 1905
Good friends, 1881
The State Hermitage Museum, St. Petersburg
The painting captures a touching scene where the artist's 12-year-old sister Bertha is reading a book, and her faithful four-legged friend Capi, constantly following her everywhere, enthusiastically enjoys the same occupation as the hostess.
The interior of the artist's cottage in Haikko was ideal for writing the work. Streams of sunlight pour out of the open window, filling everything with light, from this work blows the warmth and aroma of summer. The plot provides a complete immersion into the idyllic atmosphere of childhood, bringing to everyone some of their own memories of this golden time.
Being greatly impressed by this work, Grand Duke Vladimir Alexandrovich and Emperor Alexander III commissioned portraits of their children similar in composition to Edelfelt.
Good friends, 1881
The State Hermitage Museum, St. Petersburg
The painting captures a touching scene where the artist's 12-year-old sister Bertha is reading a book, and her faithful four-legged friend Capi, constantly following her everywhere, enthusiastically enjoys the same occupation as the hostess.
The interior of the artist's cottage in Haikko was ideal for writing the work. Streams of sunlight pour out of the open window, filling everything with light, from this work blows the warmth and aroma of summer. The plot provides a complete immersion into the idyllic atmosphere of childhood, bringing to everyone some of their own memories of this golden time.
Being greatly impressed by this work, Grand Duke Vladimir Alexandrovich and Emperor Alexander III commissioned portraits of their children similar in composition to Edelfelt.
Винсент Ван Гог, 1853 - 1890
Цветение миндаля, 1890
Музей Ван Гога, Амстердам
Поводом для написания картины стало письмо от брата, который сообщил о рождении сына, названного в честь художника. Ван Гог был растроган до глубины души и тут же взялся за работу. По замыслу Винсента полотно должно было висеть над постелью супругов и символизировать вечную весну, пробуждение и надежду.
Художник рассматривал цветущие деревья в уникальном ракурсе. Он нарисовал ветви очень крупным планом сверху и снизу. Вам кажется, что вы лежите на спине на траве и смотрите на ветви над вами. Ветки миндального дерева полны новой жизни. Этот прекрасный образ возрождения - именно то, что запечатлел Винсент Ван Гог в своей картине.
Картина написана в Сен-Реми-де-Прованс на юге Франции и была отправлена в подарок брату Тео и его жене Джоане, которые повесили картину в детской над кроваткой ребёнка.
Цветение миндаля, 1890
Музей Ван Гога, Амстердам
Поводом для написания картины стало письмо от брата, который сообщил о рождении сына, названного в честь художника. Ван Гог был растроган до глубины души и тут же взялся за работу. По замыслу Винсента полотно должно было висеть над постелью супругов и символизировать вечную весну, пробуждение и надежду.
Художник рассматривал цветущие деревья в уникальном ракурсе. Он нарисовал ветви очень крупным планом сверху и снизу. Вам кажется, что вы лежите на спине на траве и смотрите на ветви над вами. Ветки миндального дерева полны новой жизни. Этот прекрасный образ возрождения - именно то, что запечатлел Винсент Ван Гог в своей картине.
Картина написана в Сен-Реми-де-Прованс на юге Франции и была отправлена в подарок брату Тео и его жене Джоане, которые повесили картину в детской над кроваткой ребёнка.
Vincent van Gogh, 1853 - 1890
Almond Blossoms, 1890
Van Gogh Museum in Amsterdam
The reason for writing the painting was a letter from his brother, who announced the birth of a son named after the artist. Van Gogh was deeply moved and immediately set to work According to Vincent's plan, the canvas was supposed to hang over the couple's bed and symbolize eternal spring, awakening and hope.
The artist viewed the flowering trees from a unique perspective. He drew the branches in very close-up from above and below. It seems to you that you are lying on your back on the grass and looking at the branches above you. The branches of the almond tree are full of new life This beautiful image of the renaissance is exactly what Vincent Van Gogh captured in his painting.
The painting was painted in Saint-Remy-de-Provence in the south of France and was sent as a gift to brother Theo and his wife Joan, who hung the painting in the nursery above the baby's crib.
Almond Blossoms, 1890
Van Gogh Museum in Amsterdam
The reason for writing the painting was a letter from his brother, who announced the birth of a son named after the artist. Van Gogh was deeply moved and immediately set to work According to Vincent's plan, the canvas was supposed to hang over the couple's bed and symbolize eternal spring, awakening and hope.
The artist viewed the flowering trees from a unique perspective. He drew the branches in very close-up from above and below. It seems to you that you are lying on your back on the grass and looking at the branches above you. The branches of the almond tree are full of new life This beautiful image of the renaissance is exactly what Vincent Van Gogh captured in his painting.
The painting was painted in Saint-Remy-de-Provence in the south of France and was sent as a gift to brother Theo and his wife Joan, who hung the painting in the nursery above the baby's crib.
Леонардо Да Винчи, 1452 - 1519
Тайная вечеря, 1495-1498
Монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан
Леонардо да Винчи изобразил последний пасхальный ужин Иисуса Христа с двенадцатью учениками-апостолами, состоявшийся в Иерусалиме накануне его ареста. Иисус сказал во время трапезы, что один из апостолов предаст его. Это был Иуда, которого да Винчи изображает просыпающим соль на стол.
Художник показывает реакцию каждого из апостолов на пророческие слова Христа.
Леонардо собрал фигуры апостолов в группы по три. Первая тройка слева (Варфоломей, Иаков мл. и Андрей) удивлена, лица апостолов обращены к Иисусу. Во второй тройке видим возмущенного Петра с ножом в руке, отшатнувшегося Иуду и Иоанна, который от услышанной новости начал терять сознание и клониться в сторону Петра. Справа от Христа — Фома Иаков ст. и Филипп. Фома изображён с поднятым пальцем, символом его будущего неверия в воскрешение Иисуса. Замыкают композицию Матфей, Фаддей и Симон, бурно обсуждающие новость между собой. Обратите внимание, Иисус и Иуда одновременно тянутся рукой к тарелке. Согласно Евангелию от Иоанна, Иисус предсказывает, что предатель протянет руку к еде вместе с ним.
Размеры изображения 880 × 460 см.
Тайная вечеря, 1495-1498
Монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан
Леонардо да Винчи изобразил последний пасхальный ужин Иисуса Христа с двенадцатью учениками-апостолами, состоявшийся в Иерусалиме накануне его ареста. Иисус сказал во время трапезы, что один из апостолов предаст его. Это был Иуда, которого да Винчи изображает просыпающим соль на стол.
Художник показывает реакцию каждого из апостолов на пророческие слова Христа.
Леонардо собрал фигуры апостолов в группы по три. Первая тройка слева (Варфоломей, Иаков мл. и Андрей) удивлена, лица апостолов обращены к Иисусу. Во второй тройке видим возмущенного Петра с ножом в руке, отшатнувшегося Иуду и Иоанна, который от услышанной новости начал терять сознание и клониться в сторону Петра. Справа от Христа — Фома Иаков ст. и Филипп. Фома изображён с поднятым пальцем, символом его будущего неверия в воскрешение Иисуса. Замыкают композицию Матфей, Фаддей и Симон, бурно обсуждающие новость между собой. Обратите внимание, Иисус и Иуда одновременно тянутся рукой к тарелке. Согласно Евангелию от Иоанна, Иисус предсказывает, что предатель протянет руку к еде вместе с ним.
Размеры изображения 880 × 460 см.
Leonardo Da Vinci, 1452 - 1519
The Last Supper, 1495-1498
Monastery of Santa Maria delle Grazie, Milan
Leonardo da Vinci depicted the last Easter dinner of Jesus Christ with the twelve disciples of the apostles, held in Jerusalem on the eve of his arrest Jesus said during the meal that one of the apostles would betray him It was Judas, whom da Vinci portrays as spilling salt on the table.
The artist shows the reaction of each of the apostles to the prophetic words of Christ.
Leonardo assembled the figures of the apostles in groups of three. The first three on the left (Bartholomew, James Jr. and Andrew) are surprised, the faces of the apostles are turned to Jesus. In the second three, we see an outraged Peter with a knife in his hand, Judas and John recoiling (many think that a woman is depicted, but this is not the case), who began to lose consciousness from hearing the news and lean towards Peter. To the right of Christ are Thomas, James, and Philip. Thomas is depicted with his finger raised, a symbol of his future disbelief in the resurrection of Jesus. Matthew, Thaddeus and Simon complete the composition, violently discussing the news among themselves. Please note, Jesus and Judas are reaching out at the same time.
The size of the image is 880 × 460 cm.
The Last Supper, 1495-1498
Monastery of Santa Maria delle Grazie, Milan
Leonardo da Vinci depicted the last Easter dinner of Jesus Christ with the twelve disciples of the apostles, held in Jerusalem on the eve of his arrest Jesus said during the meal that one of the apostles would betray him It was Judas, whom da Vinci portrays as spilling salt on the table.
The artist shows the reaction of each of the apostles to the prophetic words of Christ.
Leonardo assembled the figures of the apostles in groups of three. The first three on the left (Bartholomew, James Jr. and Andrew) are surprised, the faces of the apostles are turned to Jesus. In the second three, we see an outraged Peter with a knife in his hand, Judas and John recoiling (many think that a woman is depicted, but this is not the case), who began to lose consciousness from hearing the news and lean towards Peter. To the right of Christ are Thomas, James, and Philip. Thomas is depicted with his finger raised, a symbol of his future disbelief in the resurrection of Jesus. Matthew, Thaddeus and Simon complete the composition, violently discussing the news among themselves. Please note, Jesus and Judas are reaching out at the same time.
The size of the image is 880 × 460 cm.